Ahora que el año es daño caducado

y que ya nada duele ni maltrata,
porque a nadie le importa
y el tiempo en los relojes acentúa
las ganas de seguir pese al tictac,
es el mejor momento para enfrentar
el reto del espejo
y saltar como Alicia al otro lado,
para entender que el mundo no funciona
tan bien como en los cuentos pero qué,
igual sigue en sus trece y en su juego
y nos asume el riesgo y la costumbre
y nos deja apostar por lo que venga
con la verde esperanza
que cualquiera alimenta
a base de recuerdos, estrategias
y horizontes lejanos mentirosos
que no renuevan nunca su postura
de intactos mensajeros del ocaso.

Quién sabe qué será tanta mañana.

(feliz nueva mentira. o lo que toque).

m.trigo

by Zantleifer

polaroids


la infancia es ese parque donde no te robaron de tus padres,
las tardes de domingo con una peli antigua
donde el bueno ganaba y se iba con la chica.

la infancia es ese patio de colegio
donde tiraban piedras contra todos tus sueños
y las manos pringosas por los chicles.

la infancia es esa foto donde no reconoces
al gran hijodeputa que sigues siendo ahora.

**

cómo comprar sin culpa
una felicidad a cuota fija
cuando nunca esperaste
llegar a estos jodidos
treinta tacos
donde nadie te acusa de prodigio
mucho menos de guapa o mala madre.

cómo saber qué sueño cuando digo
que el futuro vendrá
y tendrá tus ojos,
y los de tu mujer.

cómo quedarse así,
muerta de frío,
un diciembre de más
en pleno centro.

**

quizá el secreto es ese:
hacer como si nada
con lo que no se entiende,
mirarse en el espejo
con la memoria escueta
de los peces,
levantarse vacío
de la mesa
e irse a dormir deprisa.

cómo si no
vivir.

**

m.trigo.

Leer el mundo

El Radar libros de esta semana presenta un libro en preparación: un ensayo sobre la lectura y su íntima relación con nuestras vidas que está elaborando Angela Pradelli. La idea es tan inspiradora como inabarcable. ¿Quiénes somos como lectores? ¿Qué autores nos han acompañado, iluminado, comprometido, rescatado, inspirado y tantas otras cosas? La vida como ese libro de arena borgeano. La lectura como medida del paso del tiempo.

**

"En wichí leer se dice “yah’yen” que quiere decir “mirar profundo”. Mirar profundo en el pasado para rescatar las escenas que tuvieron la lectura como centro, como eje alrededor del cual se desarrolló la experiencia. “Yah’yen” viene de la palabra “yah’hene”, que significa advertir, prevenir, avisar o instruir. ¿Hay en nuestras experiencias con la lectura ciertos indicios que pueden ser leídos como marcas que nos avisan, que nos advierten, que nos previenen, que nos marcan una determinada dirección? ¿Cuál es la relación entre nuestras experiencias con la lectura y nuestra vida, de qué modo inciden nuestras lecturas en lo que luego serán nuestras elecciones, oficios, trabajos? Yah’yin a nayij es la frase que usan los wichí para saludar a alguien que se va, es decir, traducido al español, el saludo de los wichí para despedir a alguien que se aleja es mira tu camino, lee la vida".

Nota completa: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/libros/10-4503-2011-12-15.html

Y como ejemplo, disfruten de la colaboración de Carlos Rivas.

"La cosa en sí empieza en 1964, quizás. O 1966. Yo tenía 14. O 16. Colectivo línea 41. El Azul, decíamos. “Me tomo el Azul.” De ida al secundario hasta Belgrano y de vuelta a Munro. Todos los días. Mezclado con la carpeta negra de tres anillas, Julio Cortázar. Llevaba a Cortázar a Belgrano abajo del brazo y lo traía de vuelta, un poco más leído. Siempre sentado en el Azul (llegaba casi vacío a esa hora), con una birome roja en la mano y el sabor reciente de la tortilla de mi madre en la boca. “La salud de los enfermos.” “La señorita Cora.” “La autopista del Sur.” El Azul se iba llenando de pasajeros. Subían caras familiares desconocidas. Se mezclaban las conversaciones. Mi birome roja subrayaba fragmentos. Por la ventanilla pasaba el cruce de la Gral. Paz. Alguien hablaba en francés. ¿En el Azul? Y doblaba en una esquina de Montmartre, para agarrar Congreso. Frenadas. Subían chicas divinas con sus delantales medio metro por arriba de las rodillas. El Azul corría por los túneles de Quartier Latine. Sonaban palabras como “no somos vacas”, “chivo”, “Frondizi”, “tortuga”. Con cada línea subrayada, me sentía crecer. Gauloises, sin filtro. ¿Debo fumar, como Ricci, que ya debutó? La Señorita Cora subía todos los días en Acha y Republiquetas (hoy Crisólogo Larralde). Morocha, bajita, pollera tableada, dos piernas. Dos piernas. Capaz que iba al Pirovano. Se bajaba en Sacre Coeur, con la carterita colgando y me miraba. Yo doblaba la esquina de la hoja, áspera. (¿Por qué no usé los boletos como señaladores hasta más grande, con Borges o Balzac?) y la miraba mirarme de reojo cuando se iba caminando por Roque Pérez. Afuera lloviznaba a veces, en el Sena, y ella abría su paragüitas y corría con sus piernas torneadas de Moulin Rouge".


Seguir en: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/libros/subnotas/4503-512-2011-12-15.html

La realidad de la poesía

"Comunicación entendida como comunión. Cómo no habría de temérsele a algo tan deseado y tan prohibido. Le temen los poetas mientras lo buscan y escriben; le teme el lector, a quien han intentado masacrar con aquello de la letra con sangre entra; le temen las clases que dominan y sus instituciones de control; y las empresas del dinero, las que regulan y administran qué libros, qué voces llegan al lector, los que optaron largamente por la marginación de la poesía y aún lo hacen, aunque escucho aquel murmullo nuevo, aquella atención hacia el bocadito que se les escapa y molesta, capaz de resistir al autoritarismo y la masacre, al nuevo orden económico y a la tentación de ser bocado digerido porque de hacerlo perdería el género, es decir, la razón de ser, la realidad de la poesía".

Diana Bellisi.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7538-2011-12-13.html

Cosas de los retornos

Hay quien los dice eternos. Porque uno se comienza eternamente y entonces es sencillo asumirse en regreso. Sin embargo, siempre hay algo que cambia. Nunca es la luz la misma, ni el día, ni la hora, por eso de que nada se repite tampoco en el teatro de la vida.

Se regresa a la inmensa novedad de los recuerdos.
Se regresa a unas calles que supieron llevarnos por ahí.
Se regresa a unas pocas miradas, a unos cuantos abrazos, a un silencio.
Se regresa a costumbres ya olvidadas. A olores y comidas. A cierto ritmo ajeno.

No se regresa nunca a lo que ya se tuvo.
Sabina lo resume: "En Comala comprendí que al lugar donde has sido feliz, no debieras tratar de volver"...

Y es así. No se regresa nunca en realidad. Porque el espacio sigue, la incierta geografía de los mapas permanece, pero el tiempo es distinto y nosotros también hemos cambiado.

Y entonces no hay manera.

Elle me dit




Elle me dit / écris une chanson contente/ pas une chanson déprimante/ une chanson que tout le monde aime. / Elle me dit /tu deviendras milliardaire/ tu auras de quoi être fier/ ne finis pas comme ton père.



Elle me dit/ ne t’enfermes pas dans ta chambre/ vas-y secoue-toi et danse/ dis moi c’est quoi ton problème. / Elle me dit /qu’est-ce que t’as pas l’air coince/ t’es défoncé ou t'ai gay/ tu finira comme ton frère. / Elle me dit.

Elle me dit, c’est ta vie/ fais c’que tu veux, tant pis. / Un jour tu comprendras. Un jour tu t’en voudras. / Elle me dit, t’es trop nul sors un peu de ta bulle/ tu fais n’importe quoi. On dirait que t’aimes ça pourquoi tu gâches ta vie.


Elle me dit/ fais comme les autres garçons / vas taper dans un ballon/ tu deviendras populaire. / Elle me dit qu’est-ce tu fous sur internet / ca va pas bien dans ta tête / regardes le temps que tu perds.


Elle me dit/ ourquoi tu te plains tout le temps/ on dirait que t’as 8 ans/ C’est pas comme ca que tu vas m’plaire/ Elle me dit / un jour je serais plus là / mais c’est quand elle me dit ça / qu’elle me dit un truc que j’aime.


Elle me dit, c’est ta vie / fais c’que tu veux, tant pis/ un jour tu comprendras / un jour tu t’en voudras. / Elle me dit, t’es trop nul/ sors un peu de ta bulle/ Tu fais n’importe quoi./ On dirait que t’aimes ça/ pourquoi tu gâches ta vie. /Elle me dit.


Elle me dit/ t’as pas encore des ch’veux blancs / mais t’auras bientôt 30 ans / vaudrait mieux que tu te réveils. / Elle me dit/ tu es toujours un enfant / tu ne seras jamais grand / et moi je suis déjà vieille. Elle me dit / regardes un peu tes amis/ qu’est-ce qu’ils vont faire de leur vie / Il y a de quoi se foutre en l’air.


Elle me dit/ oui un jour tu me tueras/ mais c’est quand elle me dit ça/ qu’elle me dit un truc que j’aime. / Elle me dit danse.

Amanece que no es poco



Dir. José Luis Cuerda. 1989.

Para vos si aún no la viste.

Parra por Bolaño


"El que sea valiente que siga a Parra. Sólo los jóvenes son valientes, sólo los jóvenes tienen el espíritu puro entre los puros. Pero Parra no escribe una poesía juvenil. Parra no escribe sobre la pureza. Sobre el dolor y la soledad sí que escribe; sobre los desafíos inútiles y necesarios; sobre las palabras condenadas a disgregarse así como también la tribu está condenada a disgregarse. Parra escribe como si al día siguiente fuera a ser electrocutado".

 http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7524-2011-12-05.html

El Padrino

Lo que sé. Por Vito Corleone.

Soy un hombre supersticioso. Y si un accidente desgraciado le sobreviniere a mi hijo, o si le dispara en la cabeza un oficial de policía, o si se cuelga en su celda de la prisión, o si lo alcanza un rayo, entonces voy a culpar a alguna de las personas que están en esta habitación, y eso no lo perdonaré.
Así es la vida. Todos tenemos nuestro círculo de tristeza.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/subnotas/7489-1545-2011-11-25.html

Cómo me hice Corleone.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7489-2011-11-25.html

Sopla

Quien escribe estas líneas nada entiende de danza, más allá de ese raro hormigueo que se siente en la panza cuando lo contemplado pega fuerte y sí, se valora la técnica, la complejidad de la idea, la excelencia de los cuerpos... Pero todo desde un lugar estético bastante caprichoso, sin recursos ni herramientas para juzgar la disciplina. Vaya por delante la aclaración porque desde esa posición y porque nos da la gana, les recomendamos que vean Sopla.


"Sopla es una obra de danza que nace en el momento mismo que falla", anuncia el programa.

Y en efecto, ese es uno de los motores del juego. Sopla quiere y sabe ser un encuentro improvisado, no sólo de danza, también su propuesta estructural, la idea general que la sostiene, se articula sobre esa base. En Sopla hay lugar para peticiones y aclaraciones de último momento, para la bailarina que llega tarde, para el absurdo intento de explicar las estrambóticas casualidades que terminan por alimentar un proyecto artístico, esa rara cadena de azares que puede remontarse varios años en el tiempo porque uno sabe que, en efecto, fueron esos chispazos de nada, el conocer a alguien, el acudir a una fiesta donde se charló sobre quién sabe, lo que termina por ser materia prima de una obra - en cualquier disciplina artística sucede -, lo que nos trae hasta el resultado final, esa suma de acuerdos a la que se llega como grupo y que es finalmente lo que se ofrece a un público con la idea de darle vida nueva. Modificar y ser modificado por la mirada ajena.

Todo eso está en Sopla. Como ven, poco y nada de danza se comenta acá pero les aseguro que la danza está. Y la improvisación. Y la preparación de unos cuerpos que buscan armar algo sin saber bien cómo aún.

A esto hay que sumarle un humor inteligente y puntual que nace de cada pequeña consigna que abordan y que tiene que ver con la frescura de todo lo que llega a suceder en un ámbito de ensayo, en ese territorio donde la obra aún no es pero se está cocinando, ese limbo en el que se prueba vestuario, reemplazos, se busca el gesto, la intención, el lugar preciso para hacer esto o aquello. Esas cosas, ese humor.

Y un muy lindo final.

No se la pierdan.
 
 
Sopla
Intérpretes: Laura Aguerreberry, Pablo Burset, Lucía Disalvo, Laura Monge, Gabriela Pastor, Omar Possemato.
Vestuario: Laura Monge.
Diseño de luces: Omar Possemato.
Fotografía: Francisco Iurcovich.
Diseño gráfico: Débora Diskin.
Colaboración artística: Ignacio Ciatti.
Dirección: Laura Aguerrebarry, Lucía Disalvo.

TIMBRE 4. México 3554.
Domingo 27, 21.30hs.
Reservas: 4932 4395 / www.alterntivateatralcom

Sopla


Sopla es una obra de danza que nace en el momento mismo en que falla.
Es una creación instantánea que surge del estupor de lo que se quiebra.

 
Domingos 20 y 27 de noviembre 21.30hs.
Timbre 4. México 3554.

Reservas: 4932 4395 o http://www.alternativateatral.com/

Intépretes:
laura aguerreberry/ lucía disalvo/ laura monge/ pablo burset/ gaby pastor/ omar possemato
Vestuario: PINA y laura monge
Diseño de iluminación: omar posematto
Colaboración artística:nacho ciatti
Fotografía: francisco iurcovich
Diseño gráfico:promo art
Música:la familia ingle
Dirección: laura aguerreberry y lucía disalvo
Producción general:los mismos.danza

Y bue, POP DAY

Sobre cartas y cartas

"Ya no puedo concebir la vida sin la escritura de cartas. Para decir la verdad, uno debe escribir una carta. Para mentir mejor uno no cesa de escribir cartas. Para resumir las conversaciones con los espíritus que atormentan por las noches se debe escribir una carta. Para todo lo que yo pienso me encuentro en la obligación de escribir una carta. Para llegar a ser un escritor, Marcel Proust tuvo que escribir la primera carta a su madre y quejarse en ella de que no le había dado el beso de buenas noches y, luego, hacérsela llevar inmediatamente por la sirvienta Francoise desde su habitación al salón de convidados. Las cartas contagian. Quien pasa su vida leyendo cartas termina por hacer de su vida una carta. (...) Me han dicho de alguien que se escribe sus propias cartas para conseguir algún tipo de compañía, aunque se trate de una compañía imaginaria. Me han dicho de este alguien que está loco. ¿No consistirá ser escritor en estar loco?"

Nuria Amat, Todos somos Kafka, Reverso Ediciones, Barcelona, 2004.

No soy un caballo

Alguna que otra vez vamos a ver una obra amparándonos en un sólo nombre. Un director, un dramaturgo, un actor... Y cuando ese impulso es recompensando de manera tan grata como es el caso, hay mucho para agradecer y toca recomendar.

Siguiendo a Walter Jakob fuimos hoy parte del público privilegiado de No soy un caballo, obra dirigida por Eduardo Pérez Winter cuyo texto se armó en base al trabajo de improvisaciones de los actores: Walter Jakob, Diego Cremonesi y Francisco Egido. Si este detalle no se aclarase en el programa difícilmente podría intuirse que se trata de un texto de creación colectiva porque hay un universo certero, concretísimo y muy sólido - infrecuente cuando se mezclan plumas - que no se limita a lo que nos muestran si no que se expande logrando que les sigamos en los más variados espacios: un caserón, un campo cualquiera en un pueblo de provincia, una pulpería, un establo... Así de inmensa llega a ser la sala de Silencio de Negras gracias al exquisto trabajo de dirección y puesta donde explotando el juego que pueden dar dos puertas y sirviéndose de unos pocos elementos indispensables los actores nos llevan y nos traen a donde quieren.

La historia atrapa por la rotundidad de unos personajes que rebosan humanidad por los cuatro costados. Tres amigos de esos que creen conocerse profundamente. Un fin de semana en el campo para que uno de ellos resuelva ciertas burocracias, venda las últimas cosas de valor que quedan ahí y pueda saldar unas deudas de la familia. En el lote de venta hay dos caballos que pertenecían al abuelo... Y en esos caballos se cifra algo de la memoria viva de Esteban, el nieto que ahora debe hacerse cargo de la venta y liquidar de golpe mucho más que unas deudas. Un texto inteligente y lleno de humor donde es imposible no reconocerse y aún más difícil no empatizar con todos y cada uno de los personajes a los que se nos presenta de ese modo sutil y eficaz que no permite juicios apurados sobre ninguno de ellos.

Repasamos: un texto interesante, inteligente y lleno de humor, una investigación creativa y original sobre el uso del espacio, una puesta en escena donde abunda el (in)genio y, por si fuera poco, muy buenas actuaciones. Una propuesta que nos ayuda a recordar que no hay nada que el teatro no pueda. Esta noche todos compartimos establo con dos lindos caballos.

No soy un caballo termina su temporada 2011 el último miércoles de noviembre, pero volverá el año que viene. Agenden ya los miércoles que quedan y aprovechen para conocer Silencio de Negras, una de las salas de ARTEI que merece la pena conocer.

No soy un caballo

Dramaturgia y dirección: Eduardo Pérez Winter.
Actúan: Diego Cremonesi, Francisco Egido, Walter Jakob.
Vestuario: María Sábato.
Escenografía: Carla Balboa.
Iluminación: Adrian Grimozzi.
Realización de escenografia: Hernán Ghioni.
Operación técnica: Brenda Bianco, Alejandro Suárez Pryjmaczuk.
Fotografía: Julieta Exposito, Facundo Miguel Nívolo.
Asistencia de dirección: Hernán Ghioni.
Colaboración general: Laura Gonzalez Miedan, Rocío Pichon Rivière.
Silencio de Negras, miércoles 21hs.
Luis Sáenz Peña 663.

Reservas: 4381-1445


www.silenciodenegras.wordpress.com

El pozo donde se encuentran

El programa anuncia: "Del amor al asesino. De los hombres que matan a las mujeres. Del desencuentro en el corazón del encuentro. Del agujero en el corazón. Del pozo donde se encuentran".

Esas son las ideas elegidas como carta de presentación para El pozo donde se encuentran, última obra dirigida por Román Podolsky, estrenada en Timbre 4. Intuimos: son ideas elegidas entre cientos de posibilidades. La obra goza de una dramaturgia fértil que potencia el significado de las palabras jugando con las imágenes que acarrean. Por momentos la literalidad con la que los personajes sostienen su discurso es lo que genera un contraste absurdo que mueve a una risa tan genuina como nerviosa. Porque hay humor, sí, pero es un humor oscuro, un humor sobre la violencia del amor y la muerte, sobre lo inevitable de ambos y sobre el peor de los modos posibles de transitarlo. El pozo donde se encuentran quiere ser eso: un espacio subterráneo donde coinciden realidades imposibles. Los asesinos y sus víctimas, la vida y la muerte, el comienzo y el fin de muchas historias. Historias de amor. O no.

Las raíces de la idea, por poético que sea el universo en el que se desarrolla, remiten de modo inevitable a una verdad social que aparece y desaparece de los diarios según las necesidades de la agenda mediática de turno: la violencia de género. Las miles de mujeres que mueren cada año a manos de un hombre que, en muchos casos, supo ser el amor de su vida. Pocas realidades tan desmedidamente absurdas.

El pozo donde se encuentran aborda ese tema para convertirlo en un delirio donde reina cierta extraña calma que desasosiega. Apenas araña la superficie de unas pocas historias para ello. Parejas en las que todo era perfecto hasta que dejó de serlo. El deseo como juego y el juego llevado hasta sus últimas consecuencias, hasta que pierde la gracia. El amor como capricho, como azar injustificable. Y el fin del amor como una parte inevitable del mismo.

De todo eso y bastante más está lleno ese pozo al que nos invitan. Son muchos los referentes que van a cruzar por sus cabezas. Desde A puerta cerrada a Six feet under.
La puesta es escena opta por lo mínimo e imprescindible. El hincapié está puesto en la dramaturgia y el trabajo actoral. Un elenco de quince actores tan equilibrado como interesante donde se aprecia la búsqueda de una organicidad coral. Cabe destacar que la obra es fruto de un taller de montaje impartido por Podolsky en Timbre 4 y que el proceso de creación tuvo mucho que ver con ese método de trabajo suyo donde las palabras, la forma de decir de los actores, el valor dado y buscado a la expresión y al imaginario personal de cada uno son la materia prima de los personajes.

Román Podolsky es uno de esos raros directores y docentes que ha sabido hacer de su búsqueda un método de trabajo. El pozo donde se encuentran es una buena oportunidad para conocer el resultado de esa experiencia.

El pozo donde se encuentran
Dramaturgia y dirección: Román Podolsky.
Actúan: Juan Apat, Magdalena Barril, Silvia Bassi, Gonzalo Bueno, Mercedes Carbonella, Veronica D´amore, Ignacio D´Olivo, Romina Ganovelli, Harri Garmendia, Eladia Grosso, Hernán Lewkowicz, Mariana Nobre, Sebastián Romero, Fernando Sala, Josefina Scaro.
Concepción espacial: Román Podolsky.
Fotografía y gráfica: Romina Ganovelli.
Asesoramiento de iluminación: Alejandra Polito.

Asesoramiento de vestuario: Alejandra Polito.
Asistencia de dirección: Vanina Montes / Laura Lértora.
Timbre 4. Boedo 640.
Domingos 21hs.

El estudiante. Los compromisos.

"Creo que al final no ganar fue lo mejor que nos podía pasar", afirmaba Santiago Mitre en una nota para Radar (*), a propósito del hecho de que El estudiante no hubiera ganado en su momento el premio del INCAA que les hubiera permitido realizar el guión en mejores condiciones (económicas). A dos meses del estreno en el Malba y en la Sala Lugones del San Martín, habiendo pasado ya por un ciclo en el Cosmos, todos los que tuvimos la oportunidad de verla, seguramente compartamos la opinión del director.
El estudiante no es sólo una de las mejores películas argentinas del año, es una lección más de cómo querer es poder cuando el deseo sostiene la creatividad. Hay que hacerse cargo de las muchas, muchas horas de material filmado en la Facultad de Sociales, que hicieron falta para componer ese collage donde se nos presenta un mundo, otro más, dentro del nuestro. Lo que queda, las horas de metraje, hablan de por sí de lo mucho y bueno que quedó en el camino. Se nos muestra un sector concretísmo del ecosistema universitario: la juventud militante, la política actual, las luchas internas por un poder que algunos, desde fuera, - los desapegados, los ingenuos, los "nomeimporta" -, considerarán irrelevante. Cómo si algún poder, por mínimo que sea, pudiera ser irrelevante.

Entonces. El estudiante como una lección de múltiples compromisos. El de sus creadores Mitre y Llinás (una vez más, Mariano Llinás haciéndonos felices) con la idea original y la necesidad de llevarla a cabo con los recursos disponibles. El compromiso técnico y artístico de todos los involucrados que no cobraron lo que deberían pero supieron participar de algo que merecía la pena. Y el compromiso alcanzado con un público que no dejó de agotar las entradas, se permitió aplaudir al final de las proyecciones y la recomienda para que se le siga la pista de una sala alternativa a otra. Y así, en apenas dos meses, nace una película de culto.

La lección del estudiante sigue. En un año donde la política nacional e internacional ha sabido acosarnos sin tregua, donde tanto se ha hablado de indignados, revoluciones, generaciones perdidas, de un sistema agotado sobre el que no se ofrecen alternativas... Acá tienen, señores, una película que habla de todo eso y mucho más, mostrando que el sistema de producción importa pero no define, recordando que la creatividad se fortalece con las limitaciones, y dialogando con la Historia. Con el pasado, con las generaciones que construyeron todo este tinglado que no dejamos de apuntalar para que no se venga abajo, y con el presente, con un cotidiano que, sí, es porteño por los cuatro costados, pero hace eco en muchos lugares, en muchos países - o debiera hacerlo, al menos -.

El estudiante, entonces, como una lección importante para todos: nada está perdido. Aún son muchos los interesados en decir y hacer lo que desean sin esperar la forma o el momento ideal para ello.

Y a todos los que critican el final... Logremos alguna una hazaña semejante y luego vemos lo del pelo en la sopa, ¿sí?

(*)Ver nota de Mariano Kairuz: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7289-2011-08-28.html

Si las palabras fueran otra cosa,

algo que alimentara
sin darnos la razón o enloquecernos,
y no pesaran tanto,
y no fuera preciso
andar midiendo siempre,
sopesando
quién sabe qué opiniones,
la vida algunos días sería diferente.

Más calesita antigua,
más columpio o pizarra
y menos crucigrama
o acertijo
que nadie nos resuelve.
La vida algunos días sería solamente
las ganas de besar o de abrazarse
de un modo necesario
e imprudente,
los sueños bien despiertos,
las horas de pensarte.

(Poema recortado de otra vida posible).

El origen de Facebook

Momento NOSTALGIA



Sábados a la tarde.
Un tiempo en el que no pasaba nada.
Allá por los ochenta.
Queríamos a todos y cada uno de estos personajes.

... una princesa, un criminal. 

La lección de la Serna

Lo vimos hace más de una semana y aún lo pensamos y cada tanto hablamos con alguien, lo recomendamos... Así que va siendo hora de escribir sobre él, aunque no lo necesite en absoluto.

En general no vemos mucho teatro comercial. Por economía, falta de estómago y prejuicios pulcramente acumulados durante años. Entonces, decir que se agradece mucho que nos bajen de un hondazo de nuestro pedestal estético nada menos que en una sala del complejo la Plaza. Lluvia constante viene precedida por toda la prensa y halagos que corresponden a tamaña producción. No faltan elementos que comentar y seguramente casi todo lo que se ha escrito y dicho al respecto está más que bien y es muy correcto, así que no hablaremos acá sobre generalidades.

Lo que nos entusiasmó, lo que vivimos como un regalo inolvidable fue la actuación de Rodrigo de la Serna. Actor al que se admira desde lejos hace tiempo, pero al que nunca habíamos tenido la oportunidad de ver en teatro. Cabe señalar que vimos la obra en quinta fila, un lugar muy privilegiado para recibir muchas de las provocaciones del personaje y donde era imposible no deleitarse con la precisión de sus propuestas. Ojo, Joaquín Furriel también logra una composición sincera y contundente, sin embargo, es el personaje de Rodrigo de la Serna, el que nos trae y nos lleva cómo y dónde quiere a lo largo de dos horas. Un policía que tiene lo peor del género y que, sin embargo, logra un alto grado de empatía con esa mirada extrema de las cosas y  esa desmedida oscuridad que su discurso convierte en una agónica lucidez sostenida por un humor negro boca de lobo malo.

Precisión en el desborde. No alcanzan estas palabras para explicarlo todo pero es un buen comienzo. Dani es un personaje en la línea de muchos de los encarnados por Bruce Willis. No se pretende que tenga sutilezas. Destila verdades absolutas y golpea a diestro y siniestro con ellas. Hay un momento que de la Serna debe disfrutar terriblemente, un instante en el que interroga al público sobre lo incuestionable de esta hipótesis: un tipo que huye de la policía al verla es alguien que, sin duda, hizo algo mal. Y la sala tímidamente, incapaz de contrariarle (algunos, cómo no, comulgando con la obscenidad propuesta) afirma que sí, para que el relato continúe, para que el personaje nos siga iluminando desde su delirio.

De la Serna le pone el cuerpo a cada texto. No hay frase sin mirada involucrada. Todo es juicio y opinión. Todo le importa. Las cosas son blancas o negras y, a medida que se oscurecen más y más, ese mismo cuerpo se va retorciendo, deformado, ensuciando. Se entorpece y abandona después de una ardua batalla consigo mismo.

Quinta fila. Ya lo aclaramos. Un lujo. Porque cada pequeño gesto, cada nueva decisión, cada riesgo o juego nos llegaba con una generosidad pasmosa. Toda una lección de actuación que nos obliga a creer que, cada tanto, donde menos se espera, la vida está dispuesta a concedernos algo del todo inesperado.

Esta semana, repartamos modestia y mandemos los prejuicios a paseo. Ahorren un poco, consigan invitaciones o cuélense, pero no dejen de ver Lluvia constante.

Lluvia constante, de Keith Huff.

Dirección: Javier Daulte.

Versión: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens.
Actúan: Rodrigo de la Serna y Joaquín Furriel.
Diseño de vestuario: Mariana Polski.
Diseño de escenografía: Alberto Negrín.
Diseño de luces: Albert Faura.
Sonido: Pablo Abal.
Diseño gráfico: Romina Juejati, Gabriela Kogan.
Asistencia de escenografía: Lucía Kazanietz.
Asistencia de dirección: Sebastián Pollito.
Producción ejecutiva: Carla Carrieri.
Producción general: Pablo Kompel.
Dirección de Producción: Ariel Stolier.
Jefe de escenario: Sebastián Pollito.
Supervisión técnica: Jorge H. Perez Mascali.
PASEO LA PLAZA
Av Corrientes 1660. De miércoles a domingos.
Consultar horarios. http://www.paseolaplaza.com.ar/

Amanda vuelve

"Qué mala suerte tienen las bombas de no encontrarme", es una de las poéticas e intensas frases que escuchamos en la poderosa voz de Marta Lubos, una de las muchas que este personaje femenino inolvidable nos ofrece como quien regala caramelos. Este nuevo trabajo de Diego Faturos está lleno de sutiles contrastes y excesos puntuales que levantan un microuniverso donde todo pareciera posible gracias a la increíble fuerza de la palabra.

Amanda vuelve nos muestra cómo la evocación bien entendida puede generar una sólida construcción de imposibles cotidianos. Una casa inabarcable como el mundo, una mente femenina desbordada por la soledad que juega a llenar cada silencio, cada pausa, con infintas enumeraciones. Lo que fue, lo que pudo haber sido, lo que será. Las palabras que ya no se recuerdan, las que hay que inventar cuando la realidad se agota y el juego exige nuevas formas. La fe de una niña que cada  mañana comprueba que los árboles sigan en su lugar, es la fe inquebrantable de la mujer que hoy espera el regreso de Amanda.

Amanda es un nombre. ¿Y qué es un nombre?, nos pregunta Shekaspeare. Apenas una palabra más. Sin embargo, es una parte definitiva de una gran totalidad. El nombre que se repite como un bálsamo funciona como cura, como consuelo, se cifra en él una esperanza de futuro, de mañana diferente. Amanda, la mujer lo dice, somos todos, o lo seremos algún día. Cada espectador descubrirá cuántas promesas ocultas hay en Amanda, cuál es su espera, su necesidad.

Amanda vuelve es una muy talentosa combinación de todos los elementos que la hacen posible. En cada detalle se aprecia una cuidada dedicación que se agradece. La escenografía nos muestra el recorte circular de un mundo detenido en el absurdo de una guerra que sin embargo gira. Eso sí, gira caprichosamente y sólo cuando la otra, otra Amanda, se presta a ello. La potencia de todo lo simbólico se abre una y otra vez en este montaje a la espera de que el público se adueñe de sus infinitas metáforas. El espacio también está habitado por sonidos. El afuera se cuela cada tanto de un modo inesperado sólo para ser ignorado, bautizado con un delirio que lo justifica. Hasta que no puede ignorarse más, hasta que las alcanza. Y hay música. Un piano donde Matías Macri acompaña la acción y la luz. Las luces también son. Una vez más el trabajo de Ricardo Sica, que ya trabajó con Faturos en Vientos que zumban entre ladrillos, se convierte en un rubro destacable al servicio de la poesía en escena.

Marta Lubos y Sandra Villani son dos actrices de una presencia hipnótica a las que la dirección sitúa por momentos en códigos distintos. Gracias a ese contraste aparece un humor nuevo, inteligente e inquietante. Ambas actrices gozan con la palabra y con las imágenes que acarrean y el público, ya lo dijimos, abandona la sala como niño con gran caja de dulces bajo el brazo.

Imperdible.


Amanda vuelve.
Texto y dirección: Diego Faturos.
Actúan: Marta Lubos, Sandra Villani.
Piano: Matías Macri.
Diseño de escenografía: Sofía Rapallini.
Realización escenográfica: Gianni Faturos.
Asistencia de dirección: Cintha Guerra.

Timbre 4. México 3554. Viernes 23.15hs.

Hasta que cae la lluvia.

No siempre se llega a los estrenos, son muchas, muchas las obras que no llegamos a ver, tantas otras las que descubrimos por accidente... y están también esas que vamos demorando ver porque confiamos en que la próxima semana sí, la próxima semana voy sin falta. Cuando por fin se asiste a una de esas que hace rato están en nuestra lista de pendientes y la cosa nos gusta, nos sentimos culpables por no haber ido antes, por no verla más veces para tomarle el pulso. Seguir su crecimiento. Una obra de teatro es una entidad que muta constantemente, se transforma, crece, se ajusta cada semana, en cada función, con cada público que la desafía silencioso.

Hasta que cae la lluvia es una de las últimas obras que nos hizo pensar en todas esas cuestiones.  Una propuesta que tiene su origen en un taller de montaje de Claudio Tolcachir de hace tres años. Una de esas ideas de gestación colectiva que se expanden en el tiempo y queda en algún lugar no identificado durante una temporada hasta que los implicados se animan a retomarlo y apuestan por revisarlo, cuestionarse, buscar una mirada externa que los acompañe y llevarlo a escena para mostrarlo cuando la cosa ya ha despegado del tinte de "montaje de taller".

Sin duda, ese es uno de los méritos más interesantes de esta iniciativa, ver cómo superó su naturaleza de ejercicio creativo para convertirse en una obra sólida capaz de sostener dos argumentos anecdóticos cruzados gracias a la solvencia y eficacia de un muy buen trabajo actoral donde se intuyen esos detalles de apropiación de un personaje libre inventado por uno mientras se improvisa y juega con muchas excusas que quizá ya no están pero que los nutrieron. De ahí que funcione la mezcla, no sólo de los personajes tan diferentes, sino también de dos historias que se conectan formalmente con unas muy atinadas pautas de dirección que logran que la puesta adquiera esa rara consistencia de lo "cinematográfico" en teatro. Así, la acción en paralelo, los personajes compartiendo espacios, gestos, humor, temores y hasta soluciones dramatúrgicas, fluyen sin inconveniente y con ingenio.

Todo eso despierta la inquietud por el proceso previo, por la suma de azares, errores, decisiones y hallazgos que les permitieron llegar a este interesante resultado final que nos ofrecen después de tres años. Humor puntual y bien medido, buen ritmo, buenas actuaciones y mucha organicidad y sencillez al servicio de la diversión en la historia.

Vayan a verla y entenderán mejor todo esto.

Viernes a las 23hs. en La Carpintería.

Dirección y puesta en escena: Melisa Hermida.
Actúan: Miguel Bianchi, Mario Bodega, Pedro Ferreyra, Cinthia Guerra, Matias Labadens, Andreína Petriella, Demián Salomón, Florencia Suarez Bignoli, Sol Tester.
Vestuario: Melina Poggi.
Diseño de escenografía: Gonzalo Córdova.
Diseño de luces: Gonzalo Calcagno.
Asistencia de dirección: Julia Dulitzky.
Prensa: Flavia Salvatierra

Memoría de un gesto (Nada extraño)

El título ya es toda una advertencia. Un primer guiño para el espectador avisado de que la obra no es una más. De que es un juego dentro de un juego que juega a jugar. Algo así.

Melisa Hermida apuesta por una mezcla de códigos y lenguajes formales que combina con tanto éxito como humor e inteligencia. No hace mucho comentábamos el agotamiento que cada tanto nos provoca el excesivo realismo mal entendido y peor digerido. Memoría de un gesto llega a la cartelera para sacudirnos esa abulia, para obligarnos a ver de otra manera, a reírnos con los delirios de la forma, con la excelencia de la caricatura y los tópicos de varios géneros remixados.

¿Es una historia de espías? ¿Es una historia de amor? ¿Una de amor entre espías? ¿Una de espías imposibles que se enamoran? ¿Una de enamorados espías que se pierden? Ponele. El argumento es una excusa para que durante un rato compartamos su mundo. Un mundo que se nutre de recuerdos de infancia, donde se vislumbra a lo lejos la sombra alargada del superagente 86, los malos de las pelis de Bond, esos inventores de absurdos al servicio de un país cualquiera pergeñando códigos secretos, ese mundo de la Guerra Fría donde todo se resolvía o podía irse al garete apretando un botón ruso o norteamericano. Algo de todo eso. Y más.

Memoría de un gesto (Nada extraño) deja intuir un compactísimo y potente equipo de trabajo en cada rubro. La escenografía y vestuario de Gonzalo Córdoba, la iluminación de Omar Possemato, las coreografías de Mariano Balloni, las proyecciones... todo beneficia, acompaña, expande en grado sumo el universo bizarro al que se nos invita.

Mención aparte merece la dirección y el trabajo de los actores. El esperpento, el expresionismo y el humor son arduos de manejar y sostener bajo control y potentemente. Todos ellos lo logran con soltura y grandilocuencia atravesando y generando situaciones delirantes que arrancan potentes carcajadas en la platea.

No se la pierdan.

Sábados 23.30 en Timbre 4. Boedo 640.

Memoría de un gesto (Nada extraño)

Texto y dirección: Melisa Hermida

Actúan: Mario Bodega, Inés Cejas, Tulio Gómez Álzaga, Magdalena Grondona, Fabián Ruiz Verlini, Fernando Sala, Ana Scannapieco.
Vestuario y escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez.
Iluminación: Omar Possemato.

Realización de vestuario: Pamela Peluso.
Asistencia de dirección y producción: Fernando Rodil, Sebastián Romero.
Coreografía: Mariano Balloni.

Les amours imaginaires




Es una de esas películas que no llegas a ver en el cine porque su estreno apenas dura dos semanas en cartel... Recomendación a buscar.


Algo sobre ese raro tiempo en el que se fantasea sobre un otro que nos gusta y se elaboran todo tipo de planes imposibles y nos perdemos en el delirio de que esa persona que despierta nuestro deseo encaje en nuestra forma de mirarle, se parezca un poco a lo que necesitamos que sea. Dura poco, pero a veces alcanza para sentirse bien. Y para caer. Y sentirse mal de nuevo. Hasta que alguien más se cruza por delante... Y así.

Sólo eso. El tema bien tratado. Y el humor.
No es poco.

Vaquero




Si hace unos días la película de Wenders sobre Pina Bausch nos recordaba lo mejor de la vida en el arte, hoy Vaquero, de Juan Minujín, nos muestra el lado oscuro del ser actor. El absurdo que impera en un trabajo de por sí delirante donde nada es proporcional ni consecuente. El éxito no es proporcional al trabajo, el talento no guarda la menor relación con el reconocimiento, el reconocimiento no garantiza plata, la fama no exige talento... Quizá todo es poco menos que un estúpido azar que se persigue sin tregua ni sentido. Nadie sabe. Minujín nos muestra ese jodido monólogo interior con el que uno pelea. Esa voz en off que nos da la razón del modo más estúpido, cuando menos nos conviene.


Situaciones siempre fragmentadas. La vida como un eterno rodaje donde las tomas nunca salen bien a la primera. Personas convertidas en personajes para defender ese nombre que tanto les ha costado encumbrar. El miedo como compañero. Miedo a que no llamen hoy, a que no llamen de nuevo, a que no llamen más. A no llegar a tiempo. A no ser o tener lo que hace falta. No saber qué hace falta. No saber qué se quiere. No saber porqué mierda uno elige ser actor y no vivir en cualquier otro infierno posible.

Bueno. Todo eso forma parte. Lo reconocemos como propio. Y Minujín logra que nos ríamos de nosotros mismos así que cómo no recomendarla. Vayan. Sufran. Y pasénla bárbaro. Como la vida misma.

Pina by Wenders




La película termina y se experimenta un profundo y sincero deseo de aplaudir porque, por primera vez, el efecto 3D nos aproxima una realidad artística que nos conmueve y atrapa al punto de querer que todos ellos reciban una clamorosa ovación de la platea.


Este homenaje cinematográfico a Pina Bausch nos abre las puertas a un universo de creación donde todo es posible. No hay descanso para la poesía en la propuesta. Poesía en movimiento. Una suma de búsquedas y azares. Momentos que una y otra vez desafían nuestra sensibilidad, nuestra lógica de percepciones y contextos. La belleza está presente en todas partes y a menudo nace del contraste entre los elementos. Fragilidad y fuerza. Precisión e improvisación. Aire y tierra. Hombre y máquina. Naturaleza y cemento. Todo, absolutamente todo es observado como material de creación.

Los bailarines tratan de explicar su "método" de trabajo con Pina. La mística de las palabras justas, de la observación inolvidable que modificó una manera de entender la vida y el arte. La constancia, la amorosa dedicación que hacen posible el prodigio. "Pina nos observó durante veintidós años". Y quizá ahí empieza a entenderse la trascendecia. La íntima convivencia de una compañía de danza con tanta historia común, la devoción y el compromiso por un trabajo que ella, su maestra, les enseñó a defender y respetar.

La película no sólo es un recorrido por algunas de las coreografías más importantes de la compañía, es toda una lección de ética, una mirada sobre el mundo artístico y lo que puede abrir, ofrecer, tan generosa y genuinamente cuando SUCEDE. Los bailarines hablan de Pina como pintora, ellos eran los colores de sus cuadros; no le temen a las palabras porque aprendieron a hacerlas cuerpo, a encarnarlas siempre que hizo falta. Luna. Alegría. Palabras tan enormes convertidas en disparador, en una búsqueda personal que el tiempo quizá convierte en coreografía.

La muerte de Pina Bausch resignifica cada una de las coreografías que se muestran. El paso del tiempo es una clave. Todos han madurado en experiencia, en capacidad de entrega. Asumen riesgos cotidianos como bailarines y crean guiados por una necesidad renovada. "Danza por amor", le dijo Pina a uno de ellos. Un abismo de sencillez.

Este trabajo destinado a ser un referente primordial para cualquiera que quiera acercarse a la obra de Bausch trasciende el ámbito de la danza. Habla de la vida. De vivir en el arte. Y del arte vivo. Por todo ello, es un compromiso para con uno mismo, verla cuantas veces nos aguante el cuerpo.



Web oficial: http://www.wim-wenders.com/movies/movies_spec/pina/pina.htm

Nota de Maria Gainza en Radar
http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7374-2011-10-12.html

Lejos Lontano Faraway

Acá va una recomendación para todos los que están cansados del hiperrealismo naturalista en escena. Un cálido y potente chispazo de humor que combina códigos diversos logrando que todo un delirio argumental se sostenga con buenas actuaciones y una muy sintética y bien resuelta puesta en escena donde todo suma.


Imaginen a dos argentinas laburando en una ONG en África. El compromiso, sus convicciones, las inquietudes de cada una para estar ahí y sentirse parte de un mundo tan exótico como ajeno... Qué puede suceder si su rutina se ve interrumpida y animada con la llegada de otra mujer. Una tipa misteriosa de ademanes raros, estética de película italiana trasnochada y fe desmedida en sí misma y sus habilidades.

Esos son algunos de los ingredientes elegidos para esta propuesta de Silvina Ganger, dirigida junto a Claudio Mattos y Virginia Mihura. Las codirecciones en teatro no siempre tienen resultados digeribles. Lejos Lontano Faraway nos deja intuir lo mucho que este grupo de trabajo disfrutó el proceso creativo porque son muchos los detalles abusurdos y caprichosos consensuados por la dirección que favorecen y potencian el conjunto. Cada vuelta de tuerca se apuntala para hacernos reír sin pretensiones ni  grandilocuencia.

Las actrices Laura Fontenla, Clarisa Hernández y la misma Silvina Ganger, logran componer unos personajes entre la parodia y la caricatura de muchos tópicos que resultan tan genuinos como divertidos. Y el trío se equilibra en un constante tira y afloja donde ritmo, acción y humor se mantienen con éxito.

Una obra que merece la pena agendar por las muchas soluciones sencillas y diferentes que nos proponen para recordarnos que son muchas las verdades que tienen cabida en el escenario.

Lejos Lontano Faraway está programada dentro del Festival Escena. Las funciones son los jueves a las 21hs. en Espacio Polonia, una de las salas de ESCENA que merece la pena conocer.


Lejos Lontano Faraway

Texto: : Silvina Ganger.
Dirección: Silvina Ganger, Claudio Mattos, Virginia Mihura.

Con: Laura Fontenla, Silvina Ganger, Clarisa Hernández.

Voz en Off: Ricardo Alanis.
Iluminación: Ricardo Sica.
Diseño de espacio: Sol Soto.
Edición de sonido: Andrés Becker.
Operación técnica: Diego Becker.
Diseño gráfico: Victoria Basualdo.
Colaboración en vestuario: Paula Bianchini.
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin.
Colaboración en dramaturgia: Virginia Mihura.

Espacio Polonia.
Fitz Roy 1477.
Jueves 21hs.

www.espaciopolonia.blogspot.com

La bienal de Venecia por Marcos López.

"No sé de dónde saqué que tiene algún sentido tratar de resolver la desgarradora ecuación entre una repartija de recursos más humanizada en el mundo y la función que juega en la sociedad el arte contemporáneo, o si finalmente nosotros, los artistas, somos un entretenimiento casi igual que el fútbol, o la moda... Me canso sólo de intentar darme una respuesta".



Nota completa en:
http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7293-2011-09-01.html

F, de festival...

Intenso mes de actividades septiembre. Ya presentamos el Festival de Escena.




Ahora llega el FILBA. Dentro de nada. Ya.
http://www.filba.org.ar/








Y el FIBA ya abrió la venta de entradas y ya agotó funciones...

http://www.festivaldeteatroba.gob.ar/




Vitaminas y cafés para todos.

Mucha mierda en la búsqueda de la emoción... O lo que quiera que nos sirva como excusa.

Más poesía en los estantes

EL MOVIMIENTO POÉTICO MUNDIAL

CONVOCA A ESCRITORES, EDITORES Y LECTORES

EL SÁBADO 24 de SEPTIEMBRE A LAS 12 HORAS

a un encuentro en la Plaza del Lector

Av. Las Heras y Agüero
Buenos Aires.

 
Llevaremos un libro de poesía para donarlo a la Biblioteca Nacional. Preferentemente un libro propio o de un amigo, un libro de autor argentino o latinoamericano.

Esta propuesta surge a partir de una iniciativa del Movimiento Poético Mundial para celebrar a la poesía en más de 350 ciudades del mundo. La idea de donar un libro de poesía a la Biblioteca Nacional responde a la comprobación de que gran parte de los libros de poesía que se editan en nuestro país en un lapso no muy prolongado se vuelven inhallables. Nos preguntamos, ¿qué pasará con los libros de poesía que estamos escribiendo, con los libros de nuestros amigos, con los libros de los poetas que admiramos? No queremos que estén condenados a desaparecer.

Los libros de poesía son los más vulnerables, no nacen para competir con ventaja en los estantes de las librerías. Nos toca a todos, pero en especial a los poetas, custodiar nuestro legado, convertir esos libros que llevaremos el 24 de septiembre en expresión de nuestro deseo de que todos los libros de poesía pasen a formar parte de nuestro patrimonio bibliográfico.

Soñamos que la Biblioteca Nacional represente en esta acción mundial un símbolo para que haya MÁS POESÍA EN LOS ESTANTES de todas las bibliotecas, las bibliotecas públicas, las populares, las barriales, las de las escuelas, las de las universidades… en Buenos Aires, en todas las capitales de provincia, en todas las ciudades y los pueblos de nuestro país.

La poesía es conocimiento, reflexión e iluminación, liberación, contemplación y acción, relámpago, imaginación creadora y fraternidad, unidad espiritual de los individuos y los pueblos, pasado, presente y porvenir de la humanidad.

MPM.

Próximo estreno: Guardapolvos.

Guardapolvos estrena el próximo lunes. Es la primera obra de la actriz Tamara Kiper como dramaturga y directora. Inaugura ambos roles con un proyecto personalísimo.

La obra ve la luz tras casi dos años de investigación creativa, improvisaciones, escrituras paralelas, ensayos... Y es algo que todos van a poder apreciar no sólo en la solidez de las actuaciones, si no en el potente e íntimo universo que se genera. Van a conocer parte de una historia familiar contada por mujeres. Una madre y sus hijas, tres tías... Y cuatro hermanas.


Todas vinculadas por una ausencia: la desaparición forzada del marido, el padre, el sobrino. En torno a ese injustificable hecho son infinitas las preguntas sin respuesta, los temores, los silencios... pero también es infinita la esperanza, la necesidad de hacer "algo", de mostrar lo invisible, de hacer presente no sólo a la persona, si no al pasado. Ahí reside la importancia de cada pequeño gesto en este trabajo. Los ecos que el paso del tiempo establece entre generaciones. La historia que nos atraviesa a todos aunque no seamos conscientes.

Distintos tiempos. Diferentes espacios. Continuidad poética. Fusión de varios códigos teatrales. Síntesis y precisión en los recursos elegidos para crear un espacio que se transforma ante nuestros ojos convirtiéndose en una metáfora múltiple. Un espacio al que se nos invita, donde el público no es sólo testigo, es parte. La luz como elemento unificador, como guía, como medida del paso del tiempo.

Son muchas las decisiones originales y sutiles por las que se apuesta, tanto en la plástica, como en la forma del relato o en la composición de personajes, donde se trasluce una exquista minuciosidad, un profundo y cuidado trabajo de dirección actoral.

Sobran los motivos para recomendar esta opera prima de Tamara Kiper.

Estará los lunes a las 21hs. en Timbre 4.

Guardapolvos
Texto y dirección: Tamara Kiper.

Con: Alejandra Carpineti, Gabriela Irueta, Nadia Marchione, Vanina Montes, Julia Montiliengo, Soledad Sauthier.
Escenografía: Tamara Kiper.
Diseño de luces: Ricardo Sica.
Asistencia de dirección: Fabricio Mercado.
Producción ejecutiva: Fabio Petrucci.
Colaboración artística: Macarena Trigo.

Lunes, 21hs.
Timbre 4. México 3554.

Festival Escena 2011

Ya está a nuestra disposición la programación de obras, talleres y charlas que integrarán el Festival Escena de este año.

Recuerden: del 17 de septiembre al 8 de octubre.


Brook

En cuanto algo entra en una categoría, está mal: encasillar las cosas mata la vida, igual que sucede con una mariposa. En cuanto un alfiler atraviesa la mariposa, ya no es una mariposa. Es una mariposa muerta. Para llevar a escena una obra de Shekaspeare, uno sabe que es difícil evitar la trampa: impone un esquema mental, una idea. Por ejemplo, un actor que va a interpretar a Hamlet con una idea - "creo que Hamlet era la clase de hombre que..."- puedes estar segura de que eso ya a destruído a Hamlet, porque siempre hay que acercarse a las cosas al revés, llegando a una definición desde dentro mediante la exploración y el descubrimiento. Y, en cuanto llegas a la definición, sabes que la obra está muerta, así que tienes que romper la definción y volver a empezar.

**

No, no puedo hablar de las cosas reales y centrales que sólo se pueden expresar a través de la producción. Porque el motivo de hacer una producción es porque uno no puede decir lo que uno tiene que decir con palabras. Con palabras sólo se puede decir hasta cierto punto, y luego montas una producción. Por eso hay un abismo completo que los académicos y la persona teatral práctica no pueden llenar en relación a Shekaspeare, el idioma legítimo, no es la discusión, la descripción, el análisis. Es haciendo las obras como se descubren sus secretos, en la interpretación. Una vez que eso ha sucedido, puedes, como los demás, hablar de lo que crees que hay ahí. (p. 177)

Conversaciones con Peter Brook.
Margaret Croyden, Alba ed. Barcelona, 2005.

Nuevo taller de Serge Nicolai en Timbre 4.

La edad de oro.

Si disfrutaron Los talentos, no pueden perderse La edad de oro, donde de nuevo Jakob y Mendilaharzu brillan en todo su esplendor.

La última función dentro del ciclo Proyecto Manual del Rojas será este viernes 26 de agosto a las 23.30. Sala Cancha.

Después habrá que estar atentos para ver dónde se mudan y (re)encontrarlos.

Como siempre, un lujo.



La edad de oro
Dramaturgia y dirección: Walter Jakob, Agustín Mendilaharzu.

Con: Alberto Ajaka, Denise Groesman, Ezequiel Rodríguez, Pablo Sigal.
Escenografía: Magali Acha.
Iluminación: Adrian Grimozzi, Eduardo Pérez Winter.
Asistencia de dirección: Gabriel Zayat.
Productor asociado: Roberto Malkassian.

De Puertos Lejanos

Puertos Lejanos es un libro sugerente que rebosa sensibilidad y capacidad de observación, cualidades que resulta imposible no asociar al increíble talento de su autora como actriz, Norma Aleandro.

Dos botones de muestra. Regalo para este domingo soleado.


La riqueza

Voy desperdiciando oportunidades desde que tengo memoria. Es hora de que lo escriba. Lo sé desde hace tiempo y últimamente lo recuerdo cada vez que decido desperdiciar otra. El solo hecho de desperdiciar una oportunidad da plenitud al pensamiento de sentirme rica.
El desperdiciar la oportunidad me hace rica.
Tal vez la oportunidad me traería diversas venturas. Ninguna comparada a la satisfacción de no aprovecharla.

**

La medida

A la una, a las dos y a las tres. Nos acostumbramos a contar hasta tres para decidir una acción difícil de poner en marcha: zambullirnos en el mar, saltar desde la cornisa, beber el líquido de un tirón, echar a correr y correr y correr.
Es un acuerdo. Con otros o sin ellos.
Uno, dos y tres, allá voy. Uno dos y tres.
No uno. No dos. Sí, uno, dos y tres.
Es el tiempo justo que se necesita para resignarse a lo imposible.

**

Norma Aleandro, Puertos Lejanos, Temas Grupo Ed., Bs. As, 2000.


Décima Feria de Libros de Fotos de Autor.

Última semana para disfrutar de este evento anual organizado en Espacio Ecléctico. Se trata de una iniciativa de larga trayectoria que nos abre las puertas a muchos mundos posibles. A la feria llegan cientos de iniciativas tan interesantes como originales. Muchos de los libros presentados son ejemplares únicos e irrepetibles, realizados a mano, tijera, birome y pegamento en mano, por sus propios autores, con ellos conviven ediciones limitadas y obra publicada.

Recomendamos acudir con tiempo porque merece la pena recrearse en muchas de las obras presentadas. Hay propuestas que nos invitan a jugar, formatos que coquetean con el libro objeto, historias contadas en imágenes que se esconden en cajas misteriosas. Fantasear con el hallazgo, elaborar un relato para esa selección de imágenes, ejercitar el ojo durante unas horas en la contemplación de lo fragmentario como representación del todo. Historias de vida, memorias, diarios de viaje, temas convertidos en excusa, en fetiche, obsesiones, análisis de un objeto, de un espacio... Propuestas muy sugerentes y variadas que nos esperan.

Con la entrada se entrega un catálogo de la muestra. Ese catálogo funciona como guía pero también nos habilita para tomar los ejemplares y sentarnos tranquilos a disfrutar durante unos minutos de ese libro elegido.

Nos permitimos sugerir la búsqueda y contemplación de estos ejemplares... Invitando a explorar el mayor número de propuestas posibles.

- Imágenes en la memoria y Hermanos, de Gerardo Dell'Oro.
- La mirada, se Sara Facio.
- Vuelta a la manzana, de Sol Arrese y Lanfranco Ezpeleta.
- Un mes, de Martín Touzón.
- Blend de recuerdos, de María Belén Caramanti.
- Pequeña fábula de cualquiera el crimen. Expedientes, de Rodolfo Lozano.

Nuestra más sincera felicitación a la organización de la Feria.




Espacio Ecléctico. Humberto Primo 730.
HORARIOS: de jueves a domingos de 14 a 20hs.

Réponse de femmes.

Este video es de 1975 nada menos. Dirigido por Agnès Varda, de quien recomendamos el documental Los espigadores y la espigadora.


Tolcachir

- Hay bailarines extraordinarios que tienen una técnica sobresaliente, y hay otros mejores aún, a los que no se les ve la técnica. Parece que viven como bailan. A eso apunto con la actuación: a que no se vea la técnica. Hacer algo que sucede sólo ahí, en escena, requiere de toda la técnica del mundo. Pero hay que atravesarla para lograr una verdad.
-¿Cómo se logra?

-Lo que hago en los ensayos es incentivar el juego interno entre los actores. Hacemos una escena y probamos qué aparece para armar un esqueleto de pensamientos, de contradicciones. Es como si te dijera: "Pensá en irte y decidí quedarte". Nadie lo ve, pero son fuerzas contrarias dentro de la misma escena. Lo más importante es lo que no se dice, lo que pensamos, lo que me imagino que estás por decirme. Eso hace que el trabajo para el actor resulte muy entretenido, porque está jugando. Uno tendría que lograr (no digo que yo lo logre) que cada espectador sienta que descubre la obra, aunque todo esté armado.


Xul Solar, lo espiritual en su obra.



Creador multifacético, incursionó no sólo en la pintura, sino también en la música y la arquitectura. Inventó el neocriollo, el pan ajedrez y hasta una panlengua.

En las reuniones que organizaba en su casa, hoy museo, se encontraban intelectuales y artistas de las vanguardias, en los que dejó huellas de su influencia.

Te invitamos a esta charla para encontrarnos con su obra que nos remite a las Vanguardias del Arte Argentino del siglo XX. Un recorrido apasionante por el Universo simbólico de Xul a través de su pintura.
Te esperamos el jueves 28 de Julio, 19:30 hs. en la Fundación HAMPATU (Florida 835 3er).

La entrada es libre y gratuita, con previa inscripción. Mandanos un mail a hola@fundacionhampatu.org con tu nombre, apellido y correo electrónico.

La capacidad es limitada, es necesario llegar previamente para reservar tu lugar.


Te invitamos a que traigas un alimento no perecedero, ropa y/o útiles escolares que serán donados a la organización Haciendo Camino.

Silvana Gabrielli



Es curadora de Arte y docente. Se formó en Buenos Aires en Curaduría y Gestión Cultural, habiendo realizado previamente estudios en Educación. Estudió en Suiza en la Universidad de Ciencias del Espíritu.

Ha co-fundado el Proyecto de Arte “Arca”, basado en la pedagogía de Rudolf Steiner, para niños y jóvenes en San Isidro. Actualmente dicta workshops sobre Historia del Arte en general, y particularmente sobre arte argentino.


PROYECTO AMARESER

A. Hopkins.

Lucian Freud. (1922 -2011)



"Si un cuadro convence o no, depende de sí mismo. El modelo sólo debe servir como punto de partida del entusiasmo del pintor. La pintura es todo lo que sienta por él, lo que crea que merece preservarse. Si un pintor tomó realmente de su modelo todo lo que tenía que tomar, ninguna persona puede ser retratada dos veces".

FESTIVAL ESCENA 2011

Espacios Escénicos Autónomos tiene el agrado de comunicar que del 17 de septiembre al 8 de octubre próximos, se llevará a cabo la segunda edición del FESTIVAL ESCENA, en esta oportunidad, coincidiendo con el VIII Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA).

El Festival ESCENA se propone difundir en forma conjunta las obras que se exhiben en los Espacios Escénicos Autónomos de la Ciudad. Estas salas ofrecerán su programación con una entrada accesible y unificada. Además, habrá talleres, charlas abiertas, espacios compartidos y la presentación de un proyecto colectivo de intervenciones en todos los espacios participantes del evento MAPA ESCENA.

Durante tres semanas, el público, la crítica especializada y los curadores internacionales, tendrán la posibilidad de tomar contacto con los espacios que integran ESCENA, con su historia, su presente y futuro, y con su compromiso en la defensa y fomento de una red de producción y exhibición autónoma, cuya existencia ubica a Buenos Aires entre las Capitales de Artes Escénicas más ricas y experimentales del mundo.

La grilla definitiva de obras, talleres y actividades del Festival se dará a conocer en breve.

Para más información:
http://www.espaciosescenicosautonomos.blogspot.com/
organizacionescena@gmail.com

ESCENA – ESPACIOS ESCÉNICOS AUTÓNOMOS
Abrancancha, Brilla Cordelia!, Club Cultural Matienzo, Calabaza Productora, Club de Teatro Defensores de Bravard, Colectivo Escena, El Brío, El Crisol, El Pacha, El Paraíso, Elefante Club de Teatro, Espacio Boris, Espacio Polonia, Granate, Ladran Sancho, La Gaya Teatro, Machado, Oeste Estudio Teatral, Querida Elena Sencillas Artes, Sala Escalada, Teatro del Perro, Vera Vera Teatro.

MARCOSANGUINETTI

Viernes 22 de julio, 22.30hs.
Entradas $30.
Centro Cultural Borges.


Marco Sanguinetti (piano) / DJ migma (bandeja giradiscos) / Omar Grandoso (trombón y melódica) / Victoria Zotalis (voz).

Tocarán los temas del disco El otro, recientemente editado por Acqua Records.
La grabación de El otro es el resultado de dos conciertos realizados durante un fin de semana de septiembre de 2010 en Estudio Casa Frida. Para esa ocasión se invitó a un grupo de 20 amigos que se ubicaron dentro de la sala de grabación. En esas sesiones, el público votó los temas que debían ser incluidos en el disco (ocho originales de Sanguinetti y versiones de Spinetta, Radiohead y Peter Gabriel).

En la Sala Norah Borges, sin comida, ni tragos, ni pochoclos, ni ruidos molestos... sin micrófonos, ni amplificadores, en un entorno silencioso, en casi oscuridad total, tocarán lo más suave y fuerte que puedan, para un público dispuesto en ronda muy cerca de los instrumentos. Este formato, casi de cámara, donde aparecen la variedad tímbrica y los extremos de las intensidades, parece ser la marca registrada del proyecto compositivo que interesa al grupo.

Info general: http://www.improvisiones.blogspot.com/

Reserva de entradas únicamente por mail: contacto.elotro@gmail.com